关键词：艺术；再现；表现；形式主义；观念艺术
美学用语就像隐喻，我们必须时刻注意不要按字面意义去理解这种隐喻性表达。
对“艺术是什么”这样一个涉及本质的观念问题，在后现代的今天被认为是应该抛弃的伪问题，它普遍地被认为是不可能的也是无解的。迪弗在《艺术之名》中认为:“在这个由艺术显示并强化了的象征功能之外，人类命名为艺术的东西失去了同一性，分裂成为多种多样的艺术以及数不胜数的风格和样式”川。迪弗这里所说的艺术的多样性主要是就现代社会这一共时态来说的，艺术在我们时代分化为无数的种类和样式，艺术之名不再具有整合的能力，共名的艺术受到了普遍的怀疑。应对艺术之名失去同一性的问题，波普尔的历史哲学提出了“情境逻辑”的概念，认为对这样一些价值概念，努力穷究其本质不如探讨其历史发展脉络。任何一个名词概念都有历史的所指，回到它的具体时代，在具体情境中探讨，是我们可以做应该做也是更具意义的事。贡布里希的《艺术的故事》就是按照波普尔的情境逻辑重构了艺术发展的特定情境，告诉我们不同时代的艺术面貌，解释对于不同时代的人来说，艺术意味着什么，不同时代的艺术在社会中各处于什么样的位置。本文的写作也不期望能给出一个关于艺术的本质界定，只是希望通过对艺术观念的历史追溯，厘清艺术理论史上出现的主要艺术观念，尤其将重点放在疑问多多的现代艺术上，对其观念主张进行更深人的阐释，以对艺术有更深人全面的理解和把握。
就历时的角度来说，不同时代有不同的艺术，不同时代出现了不同的艺术观念，本文将历史上古往今来的艺术分为再现艺术、表现艺术、形式艺术和观念艺术四种，每一种艺术观念都试图从不同角度对艺术进行本质的把握，每一种艺术观念都适合解释特定样式的艺术，只有这样历时和整体的把握才能使我们对艺术的内涵有更深刻的认识。
一、再现艺术
再现艺术观主要从艺术与客观世界的关系来论述艺术，认为艺术是对现实世界的模仿，艺术是现实的一面镜子，而现实主义、自然主义、古典主义都可以看作是这种艺术观念的遥远的回声。模仿说是历史上出现的第一个艺术理论，也是再现艺术观的滥筋。赫拉克利特最早提出“艺术模仿自然”，柏拉图也将艺术看作是对物质世界的模仿，只不过它与理念隔了三重。将模仿论发挥到完善境地的是亚里斯多德，由于亚里斯多德的巨大影响，模仿论影响了西方艺术理论将近两千年的时间，直至i8世纪由于人的主体灵魂世界渐受重视才逐渐式微，被随浪漫主义兴起的表现艺术取代，表现艺术逐渐占据艺术理论的主流位置。因而车尔尼雪夫斯基说，亚里斯多德是第一个以独立体系阐明美学概念的人，他的概念竟雄霸了二千年。再现艺术观将艺术看作是对外在客观世界的摹仿或再现，是对世界的补充和完善，它从艺术与世界的关系人手，从艺术所模仿的客观世界的角度解释艺术，其着重点在客观世界而非艺术。因而在再现艺术中，艺术是次生的附属于客观世界而存在的，它的意义在很大程度上也取决于模仿物和再现对象。既然艺术是对世界的模仿，而按柏拉图的理解，艺术是永远不可能与现实相象，更不用说与理念接近了。亚里斯多德看到了诗歌胜于历史的一面，认为诗歌体现的是可然律和或然律，揭示的是普遍和一般的本质，因而超过了历史对于个别事件的记载。千年以来，正是因为亚里斯多德，再现艺术成了比历史更真实的本质存在。
但《现代艺术哲学》的作者布洛克将模仿与相似作了比较，揭示了模仿和再现艺术的“失真”的本质。布洛克认为“‘相似’是双向的或相互的，模仿却是单向的或仅指一方对另一方而言。换句话说，‘相似’是一种‘对称关系’，模仿则是一种非对称关系”，模仿一词即已宣告了艺术的不利位置。艺术既然是世界的模仿，它就有一个摹本，而艺术无论如何逼真、肖似，也仅仅只是逼真和肖似，它是永远也无法达到摹本的状态，更不用说超越摹本了。而再现一词相对模仿来说，似乎更可以感觉到艺术自身的价值，模仿一词似乎永远无法摆脱摹本，永远无法超越摹本，而再现似乎肯定了艺术世界存在的价值。在这种观念影响下，人们对于艺术的看法便主要强调其题材的价值。因为艺术努力要达到的目标是如客观世界般的真实，因而艺术价值的高低很大程度上与其所模仿的题材对象有很大的关系，题材重要，作品自然重要。西方古典观念将悲剧看作是高贵体裁，喜剧被看作是卑俗体裁，其原因也正是由于如亚里斯多德所说的，悲剧模仿的是比我们一般的人要好的人，而喜剧模仿的是比我们一般的人要坏的人，现实中好人比坏人重要，艺术中悲剧自然也比喜剧高贵。就再现艺术来说，艺术并没有获得自己独立的地位，人们将艺术看作是工具、技巧，是为弥补和完善自然的手段和技艺，艺术的价值和意义主要依赖于外在世界。
二、表现艺术
1、从再现世界到表现情感
如果说再现论主要从艺术与世界的关系人手解释艺术，表现论则从艺术品与创作者的角度人手来解释艺术。再现艺术观着眼于艺术的题材对象，着眼于艺术的再现能力、模仿能力，评价作品时称其逼真肖似生活和客观世界，便是对艺术的最高赞赏了。表现论则着眼于艺术品的独特魅力，并从观照艺术品人手过渡到对于创作者艺术家的浓厚兴趣。再现论的一个理论共识也是一种假设，即世界是客观存在的，且每个人眼中的世界都是固定的、同一的、永恒的，客观世界本身即可作为一个参照系来评价艺术是否真实，是否达到了最好的再现和模仿。表现论则逐渐发现世界的纷乱和差异，世界开始分化不再一统，且人与人间的差异日渐明显，他们从各个不同的作品人手，发现了人的巨大差异，发现了艺术家的独特品质和察赋。这种察赋在柏拉图那里被称为“神灵附体”、一种“迷狂”，在表现论这里则是天才和神似的创造者概念的出现。艺术家开始与创造、天才、神这样一些概念相联系，米开朗基罗最早被人用“神”来喻指，他的伟大创造力在作品中得到了恢宏的呈现。天才和创造这样的概念到18世纪浪漫主义时代才最终出现，标志着主体觉醒和个人化的时代的到来，与之相应的，则是浪漫主义所标举的表现观的出笼。
表现论认为艺术主要是表现艺术家的情感，表现世界在艺术家心中的投射，一种折光，杜博斯说艺术是“外界事物在我们心中所起的印象”，华兹华斯说，诗就是强烈情感的自然流露或诗是人们在平静中回忆起来的情感。与再现论不同，表现主义更强调个人对世界的印象和情感，个人性在此得到了鲜明的呈现，也正在此意义上，里德认为“表现主义艺术是个人主义艺术”、4。表现艺术观最早在18世纪浪漫主义时代崭露头角，之后基本占据艺术观的主流，主要代表是托尔斯泰和科林任德。托尔斯泰在《艺术论》中将艺术看作是情感的传达和交流，科林伍德也明确提出了艺术情感说，认为真正的艺术不是技艺、再现、巫术、娱乐，而是表现情感和想象性的活动。在《艺术原理》中科林伍德提到，“作为情感的表现，真正的艺术与上述一切毫不相干真正的艺术家尽力解决表现某一情感的问题”。现代艺术中的表现主义也可以看作是表现艺术观的后来的子民。应该说现代艺术都是强调主体表现的艺术，都强调艺术家个体对世界的独特领悟和表现，因而现代主义在早期被称为“新浪漫主义”，茅盾介绍现代派艺术时也用此概念。基西卡也认为“浪漫主义的原创性、真实性和个人天赋对19世纪和20世纪的艺术创作有着深远的影响，从这一方面来说，浪漫主义具有典型的现代主义特征”，我们轻易就可看出现代艺术与浪漫主义间精神上的联系。
2、从模仿者到创造者、天才
论文关键词：艺术概论；体验式教学；教学内容；教学方法；师资素质
在我国高职艺术专业的课程设置中，《艺术概论》作为文化基础课程之一，是艺术专业所有课程中最为抽象和深奥的课程。目前高职院校《艺术概论》课程在教学内容、教学方法和师资素质等方面与高职艺术专业的教学目的、学生文化水平、学生的性格特征并不吻合，存在着许多的问题，使得《艺术概论》成为学生逃课率最高的一门文化课程。这与《艺术概论》课程本身的重要性并不相符。所以，这门课程的教学效果有待提高。本文认为有必须从教学内容、教学方法、师资素质等方面，采取体验式的教学方式进行改革，从而促进优化教学效果。
一、教学内容的体验式教学改革
目前，我国高职院校艺术专业学生所使用的《艺术概论》课程的教材一般依照普通艺术院校的教材进行教学，这是存在问题的，因为高职院校艺术生的文化水平和教学目的与普通院校的艺术生并不相同。高职教育的根本任务是培养高等技术应用性专门人才，而普通院校的艺术生培养理论性和技术性都较强的人才，应此，对于高职院校艺术生的教学内容与普通院校应该区别开来。目前普通高校所使用的《艺术概论》课程的教材多达二十种之多。虽然教材各各不同，但主要内容大同小异，主要有三个方面：艺术原理、艺术创作、艺术欣赏。这三个方面是艺术教育的主要内容，只是各个教材这三个方面的内容有所侧重。这些教材编写者的专业背景可分为三类:艺术类、文学类、哲学类。编写者在编写的时候，是从他们的知识背景出发，进行观点的选择和材料的取舍的。哲学背景的编写者侧重于艺术原理的内容，文学背景的编写者侧重于艺术欣赏的内容，艺术背景的编写者侧重于艺术创作的内容。其实，艺术问题必然离不开艺术、文学、哲学，但不同的编写者在内容上的侧重使得所编写的教材不一定适用于艺术专业的学生。对于艺术专业的学生而言，接受艺术创作和艺术欣赏方面比较容易，但接受艺术原理则有一定的难度。原因在于艺术专业的学生在进入大学之前，他们的文化水平并不象一般文科学生那样高。总所周知，艺术生的高考文化分数数要比普通文科生低得多。许多大学本科艺术生的文化水平只相当于优秀高中生的水平。所以，理论性、抽象性较强的《艺术概论》课程对于他们而言，接受的难度比较大。这一点在高职的艺术生身上得以集中体现。
高职教育以适应社会需要为目标，要求毕业生应具有基础理论知识适度、技术应用能力强的素质。对于高职艺术生的教学目的而言，最主要的是培养其技术应用能力，至于基础理论知识，适度即可。所以，在《艺术概论》课程的教学内容上不必依照普通高校艺术专业的教材和内容。解决这一问题的方法主要有三：一是编写一本适合高职艺术生的《艺术概论》教材；二是在已有的教材中选择比较适合高职艺术生的《艺术概论》教材；三是教师在选择已有《艺术概论》教材的基础上，针对高职艺术生重新编写教义。这三种方法的目的都是为了教授与高职艺术生学习目的和文化水平相应的教学内容，以提高他们的艺术素质和专业技能。
针对高职艺术生的特点，教师在教学内容的选择上始终围绕在提高学生艺术技能的基础上去培养其艺术理论素养。也就是说教学内容中应加强艺术创作、艺术欣赏等艺术实践方面的内容。《艺术概论》的课程设置一般在高职艺术生的最后一年，学生在前两年的学习中已经具备了一定的创作经验和心得体会，对艺术问题有着一定程度的感性认识。艺术创作的思想源泉、创作灵感、创作过程和艺术家等方面的内容，学生在具体的创作过程过程中是有所体会的，教学因势利导进行理论的提升。对于艺术欣赏问题的理解也是如此。学生的艺术学习必然离不开对大量经典作品的欣赏和描摹，而且他们在创作的过程中会有着自己的艺术追求和审美评品，他们自己创作的艺术作品也会进入欣赏者的视野。学生既是欣赏者又是创作者，所以学生可以结合自己的艺术创作实践去欣赏他人的作品。学生在艺术欣赏和艺术创作过程中也会对艺术理论有着一定程度的思考和理解。教师在此基础上可以进行相关理论知识的引导。比如艺术起源问题，学生通过艺术创作和欣赏的实践很容易接受一切艺术创作的源泉来源于现实生活这一理论。目前一般《艺术概论》的教材中关于艺术起源问题有艺术产生于巫术、图腾崇拜、游戏、模仿等几种观点，本来这是很难辨析的问题，但学生通过他们艺术创作和欣赏的实践体验，就比较轻松地辨析出艺术起源于劳动实践这一观点与其它观点的区别。诸如此类，学生可以通过艺术创作和欣赏的感受和体验去理解艺术理论的相关问题。
综上所述，教师在教学内容的选择上应该结合高职艺术生的文化水平、学习目标、思维方式、兴趣爱好等实际情况，将教学内容融入在他们的艺术创作和欣赏的实践体验当中去。只有这样，才能让他们更好地理解《艺术概论》课程中理论方面的内容。
二、教学方法的体验式教学改革
目前，我国高职艺术专业《艺术概论》课程的教学基本上采取教师讲授的方式。这样的教学方式是普通高校文化课程教学的传统方式。这一方式对于普通高校的艺术生而言，可能比较合适。但对于高职艺术生而言，则不太适合。高职的艺术生与普通高校的艺术生是有所区别的，他们的学习时间多被艺术实践活动所占用，长期的艺术实践活动使得他们的思维习惯、学习方法、学习态度、知识结构与普通高校的艺术生有所不同。高职艺术生偏重学习艺术的实践技能，他们的动手能力比较强。他们喜欢直观性的、形象性的图像，而不喜欢抽象化、深奥化的理论。所以，如果采取讲授式的教学方式，高职艺术专业学生的课堂纪律比其它普通高校的艺术生要差得多，课堂纪律也难以维持，自然很难取得良好的教学效果。不过，高职艺术专业的教师可以发挥高职艺术生动手能力强的特点，选择与他们能力和兴趣相适应的教学方式。
（一）还原情景式教学。教师可以通过还原学生创作实践情景的教学为主，讲授为辅的教学方式来改变过去一味说教的教学方式。还原情景式教学方式比较直观、形象、生动，就是一些比较抽象化的理论通过这一教学方式也容易被高职艺术专业的学生所接受。这就要求教师在教学前，需要花费许多时间和精力拍摄和制作学生创作和欣赏艺术品情景的影像资料。当然，在制作这些影像资料时，注意把生动化、形象化的影像资料与教学内容相结合。这些图像材料自然就能感染学生，让学生深刻地理解相关的教学内容。比如说讲授艺术起源于模仿理论时，可以还原再现学生写生的场景和过程，边再现边进行引导，学生自然就会理解艺术起源模仿的理论。这样的教学效果比说教明显好得多。
（二）讨论问题式教学。现在的高职艺术生个性较强，喜欢凸显自我，喜欢发表言论。因此，可结合学生的艺术实践活动设置一些问题，组织学生进行讨论。这些问题可分为三个阶段：导入、展开、深化。教师在讲解某一艺术理论之前，先设置问题进行导入，然后对这一问题进行展开，最后进行深化总结。学生都有艺术创作和欣赏的经验，他们对艺术的一些理论性问题有过自己的理解和见解，只是没有进行深入地思考和总结。教师在课堂上进行讨论问题式的教学，可以让学生对一些有过接触但不明其理的问题有了清楚的理解和把握。比如艺术的审美追求问题。这是每个艺术生都有话可说的话题。教师在课堂上可以先让学生根据自己从事艺术实践的体会和经验去思考这一问题。因为学生在艺术实践的过程中必然会涉及到审美追求的问题，他们也可能思考过这一问题，但在他们的心里多停留在感性的认识而没有理性的总结，而且仁者见仁，智者见智，学生对这一问题的讨论会很热烈。在学生讨论的过程中，教师可从不同的角度对这一问题进行展开。比如说审美的主观性和客观性，审美的个性和共性，审美的当下性和终极性。学生的观念和看法的可能有偏差，等到学生的讨论到一定程度时，教师就他们的观点进行纠偏和深化，然后在基础上进行归纳总结。这一教学方式可让学生对一些理论化问题的理解比单纯的灌输式教学深刻得多。
（三）自评作品式教学。高职艺术专业的学生注重实践教学，他们一般都有一些自己比较满意的艺术作品。因此，在《艺术概论》课程的教学中，可组织学生带来他们满意的作品，先组织学生鉴赏和评论，然后让学生结合所讲授的某一艺术理论进行点评，这样点评的学生和听课的学生都会留下深刻的印象。这样也使得他们在以后的学习和实践中，能够更好地理论联系实践，不断提高自己的理论和实践水平。比如说在讲授中国传统艺术中意境这一范畴时，就可以采取这一方法。意境是中国艺术中一个非常重要也是非常难以理解的范畴，许多教师在讲授这一范畴时说不清道不明。意境的特质在于“象外之象”，而什么是“象外之象”，真可谓是只可意会不可言传。教师可让学生结合自己的作品谈谈作品中的“象”和“象外之象”。学生在创作作品时总会希望通过艺术形象去传达许多精神追求，这些超越艺术作品形象本身的情思和意蕴就是“象外之象”。这样一来学生就会很好地理解意境范畴。
通过以上这些体验式的教学方式，既可让学生很好地把握《艺术概论》课程中一些难以理解的艺术理论问题，又可让教师能够创新教学方式，不断开拓教学新境界。
三、师资素质的体验式教学改革
在教学活动中，再好的教学方法也需教师来完成，教师的素质直接决定着教学效果。目前，在高职艺术专业从事《艺术概论》课程的教师的来源主要有两种：一种是专门从事艺术理论的教师，一种是从事艺术实践活动的教师。这两种教师在教授《艺术概论》课程方面都存在着一定的问题，从事美术史专业的教师往往缺乏艺术实践经验而偏重于理论知识，从事艺术实践活动的教师则往往缺乏理论功底而偏重艺术实践经验。针对高职艺术生的特点，高职教师不仅应具备较好的文艺理论素养，而且还须具有丰富的艺术实践经验，只有这样才能提高《艺术概论》课程教师的素质。
艺术创造是塑造艺术形象与创作艺术作品的创造性劳动。这种创造性的劳动具体体现为人们所从事的艺术创作活动。这种艺术创作活动不是对生活现象简单地复制，而是一种特殊的审美创造。即艺术作品的创作者通常是从特定的审美感受、体验出发，运用形象思维，对生活素材进行选择、加工、概括、提炼、构思，使用物质材料将审美意象表现出来，最后完成内容美与形式美相统一的艺术作品。
艺术欣赏是一种把艺术作品作为审美对象来欣赏和品味的活动，即是对艺术作品观照、体验、读解相互交融统一的活动。具体讲，艺术欣赏是一种直观性的感官观照――直接观照艺术作品形象的欣赏活动，而情感体验始终伴随着欣赏活动的全过程，并通过理性参与对艺术作品意象做出解释。
艺术创造过程一般要经历准备、构思和呈现三个阶段。
艺术创造活动的准备，深入生活、积累素材是首要关注的事情。社会生活是艺术创造的本源，进行艺术创造必须先从生活中积累素材。中外许多艺术家都非常重视从生活中去感悟和获取创作的素材。在此无需一一赘述。不仅如此，艺术创造准备还需深化感受、激发创造欲望，也就是说创作者在感受、理解与体验生活的基础上激起创造欲望，同时还要在艺术媒介、技巧与方法上进行选择、处理、组织和构作。
艺术创造活动的构思，是艺术创造的中心环节。创作者通过创造性的想象活动，把积累的丰富的生活素材，进行体验、理解，按照情感的逻辑加工制作，构成新的意象。之后还须注意选择典型，形成整体结构。
艺术创造活动的呈现，是艺术创作的实践活动。在这个过程当中，创作者要运用技巧和才能对艺术材料进行处理，要将构思中的想象的意象以物质的形式确定下来，使之成为现实存在的艺术形象或艺术作品。
艺术创造活动的艺术准备、艺术构思和艺术呈现，是紧密联系不可分割的。特别是艺术构思和艺术呈现，相互渗透，相互包含。就是说在创作者的实际的艺术创造活动中，艺术准备、构思与呈现始终是有机结合在一起的。然而在这个过程里，创作者要付诸情感和生命于艺术创造活动之中，付诸其心灵的创造。
艺术欣赏的过程主要表现在两个方面，一是感性认识，可称作感觉；一是理性认识，可称作知觉。感性认识是人们面对艺术作品时所产生的感觉与对作品艺术形象外在情状的最直观和真实的反映。理性认识是在感觉基础上产生的，它是人们对感觉材料进行综合之后所形成的比较完整的知觉形象。简言之，艺术欣赏的特点是：1.始终蕴藏着欣赏者的情感活动；2.过程中充满着丰富的联想与想象；3.带有一定的主观色彩。
艺术欣赏作为一种行为，通常表现在“心理暗示”“感性愉悦”和“凝神观照”三个方面。这是审美心理活动的需要和体现，也是欣赏者和艺术作品相互交流和对话的过程。
“心理暗示”是一种艺术欣赏行为。在艺术作品面前，欣赏者在观看时得到一种心理暗示的，这种不是满足肉体需要的，而是赏心悦目的。“感性愉悦”是艺术欣赏中所包含的一种重要的因素。它将促动欣赏者形象记忆活动与撩动欣赏者的情感，展开丰富的联想，从而在心理上能够得到某种满足。“凝神观照”，是一种的体验，是一种自证自在的体验。需要说明的是，“艺术欣赏行为在本质上是愉悦性的、凝神观照性的和自证自在性的”。
艺术创造与艺术欣赏，是艺术活动的两种不同的表现形式，反映了艺术创造活动的特性。艺术创造为艺术欣赏提供了感知对象，艺术欣赏对艺术创造做出价值的判断和审美评价。
艺术创造与艺术欣赏，是复杂的艺术创造活动。所以，在这里不可能用寥寥几句话来道出全貌。
首先，改进传统的教学模式，利用合作性教学方式，提高学生课堂学习的积极性，激发学生的创新性思维。在传统的艺术设计教学课堂上，大多数的艺术教师把教学重点放在教师的课堂讲课上，学生在课堂上的参与度不高，学习积极性不强。合作性教学作为现阶段较流行的一种教学方式，在各个学科中被广泛应用。教师可以在课堂上把学生以4～5人一组的形式加以划分，让他们对于同一个设计主题加以讨论，通过团队合作的方式，激发学生的创新性思维。艺术设计教师在课堂上通过划分学习小组的方式进行教学，不仅可以培养学生养成良好的团结合作精神，提高他们的学习积极性，而且可以通过小组成员之间的讨论，激发每个学生的创作热情，提高学生的创新意识。所以说合作性教学方式对提高艺术生的艺术修养、集体意识以及设计水平具有重要影响。
其次，注意对学生创造思维素养的培养，所谓创造性素养是学生创作思维的来源，也就是说，教师在艺术设计教学中，要注意培养学生的好奇心，让他们对世界充满好奇心，树立正确的世界观和人生观，并以饱满的热情投入到艺术设计学习中。创造性素养作为一种优良的心理品质，对艺术设计人员来说是极其重要的，所以，艺术教师应该在确保艺术设计学生掌握艺术文化理论知识的基础上，不断锻炼他们对周围新事物的敏感度，让艺术学生成为可以正确对待自己和他人，并具有较高创造能力的综合性人才。
最后，艺术教师要想不断提高艺术设计学生的创新思维，就必须加强创造原理的教学。虽然艺术设计是一项实践性较强的学科，但是，理论知识依然是艺术设计实践的基础，对艺术设计创造性原理的学习可以让艺术设计学生更加了解艺术创作活动的操作程序，掌握艺术设计创造的方法和手段，进而不断提高自身的艺术设计水平。比如，艺术教师在讲述某一艺术设计作品时，可以从艺术设计创造原理的介绍开始，让学生理解何为移植、变性、聚合、完满等，此外，教师还可以通过设置提问、对比分析等方式让学生理解如何正确使用这些原理和技巧，将艺术设计创作的品位提升。
【关键词】设计思维儿童早期艺术创造性教育公共艺术教育卓越教师成长
近年来，国外创造性艺术教育思潮方兴未艾，国内陆续出版了如（美）荷伯豪斯的《儿童早期艺术创造性教育》、（比利时）罗莎梅尔的《我来画》、（美）安柏利的《跟着安柏利大师学画画》、（日）安雅光野的《美丽的数学》系列绘本等，这些著作创意新奇、想象力丰富，可作为公共艺术教育的优质资源。江苏师范大学历来重视公共艺术教育，并致力于卓越人才的培养工作，2012年以来，以笔者主持的教育教学研究项目《“退耕还林”型中小学美术骨干教师培养模式建构与实践探索》的成果为基础，新开设一门艺术教育课程“儿童创意美术与卓越教师成长”（30课时，其中讲授8课时，讨论3课时，艺术实践19课时），该课程以设计思维的培养为关键点，尝试把艺术素养贯穿到卓越教师成长的高度进行探索。经过两年的实践，课程体系趋于成熟。
一、“儿童创意美术与卓越教师成长”的性质、地位和教学目的
“儿童创意美术与卓越教师成长”是江苏师范大学公共课程艺术素养模块的一门艺术课程，结合国内外儿童美术教育实践现状，围绕儿童创意美术进行相关的理论、技能与创造性表达的实践。通过学习和课题研究，使学生能够系统地掌握儿童创意美术的理论知识和相应的形式语汇，正确把握儿童创意美术的研究方法及主要设计策略和设计手段，注重儿童美术教育观念的更新，并选择既有一定研究价值，又有相当实践意义的专题展开深入学习，以提高眼光，培养创造性思维能力。具体教学目的如下：
（一）培养更多关注学生自身基础的发展，给艺术教育和学生的成长持续提供清新的空气、肥沃的土壤，进而开发学生多元智能的卓越的教师。
（二）通过艺术的方式，提升未来教师的教育学、课程与教学论、学科教学论理论素养。
（三）通过独特的创意表达方式，提高未来教师的方法论意识。具体地说，就是提高其教学设计、课题设计、教学有效实施、观课评价的能力，进而能够运用恰当的教育研究方法与实践。
（四）通过一系列卓有成效的创意美术引路课、示范课、观摩课，培养一批在生源地有影响的课改“种子”，进而推动学生生源地的教学改革。
（五）通过对儿童创意美术不同层面的掌握和理解，对学生进行独到的创作实践训练，以让学生感受不一样的艺术教育方式，培养多元的文化视角，提升未来教师的整体素质，预期使学生能写出关于该课程的学习报告及教学改进方案，另一方面要创作出比较完整的美术作品。
二、“儿童创意美术与卓越教师成长”课程教学大纲制定的依据和大纲内容选编原则
“儿童创意美术与卓越教师成长”浓缩并提升了国内外儿童早期艺术创造性教育的相关理论、技法的精髓，融入与国际儿童早期艺术创造性教育体系接轨，与时展同步的教学理念和教学方法，突出能力培养、强化实践教学。大纲内容根据专业人才的培养目标所需要的基本理论及基本技能的要求，从提高未来教师整体素质的高度，提出儿童创意美术教育的目标要求，根据本课程教学性质、条件和教学实践而选编。
三、“儿童创意美术与卓越教师成长”的教学内容设计
（一）富有特色的教学内容
第一讲，《点》与儿童早期的优质艺术教育（6课时）
教学目标：
1.让学生全面、系统、深入地了解该课程，着重让学生对儿童早期艺术创造性教育的重要性有所认识，对卓越教师如何激发和评价儿童的艺术有所理解。
2.通过《点》的故事，让学生理解成人该怎样鼓励一个在艺术实践中只说“我不会”的儿童。
3.让学生理解具有创意的人的特性是什么？艺术如何增强了这些特性。
教学内容：
1.《点》的故事与动脑创作有趣的“点”（艺术实践）。
2.激发和评价儿童的艺术――由印度电影《地球上的星星》引起。
第二讲，儿童早期艺术活动的特点（6课时）
教学目标：
1.让学生理解儿童各个发展阶段中艺术活动的特点有哪些？合适的激发艺术的计划是什么？怎样用儿童的兴趣去激发他们的表达和发展。
2.让学生理解和掌握艺术的元素，并理解艺术家是如何创造性地使用它们。
教学内容：
1.“当我的青蛙跳上高高的荷叶”（艺术实践）。
2.研讨通过哪些方法可以让画面更有趣。
第三讲，就地取材巧创造――如何激发和评价儿童的艺术（6课时）
教学目标：
1.让学生通过“随意看・自由想・快乐画・轻松做”系列创作活动进一步理解和掌握各种各样的激发策略。
2.让学生理解和掌握在指导儿童画画的艺术活动过程中，什么时间段做出鼓励性评论是最合适和有益的，并为每个阶段可能出现的鼓励性的评语做一个列表。
教学内容：
“随意看・自由想・快乐画・轻松做”系列创作活动（艺术实践）
1.手形变变变，2.字母变变变，3.工具变变变，4.烟花大会与花开无声，5.科学实验巧创形。
第四讲，实践方法与合适、安全、多样的艺术材料体验（6课时）
教学目标：
1.让学生了解合适、安全、多样的艺术材料。
2.让学生探索合适、安全、多样的艺术材料的实践方法，进行创造性表达的实践，并进一步理解运用平面和立体的材料工具进行多样和重复的体验的重要性。
教学内容：
用多个创意方法创作可爱的小动物（艺术实践）
第五讲，卓越教师的推动作用与“退耕还林”式美术教育理念（6课时）
教学目标：
1.结合教师的教研项目《“退耕还林”型中小学美术骨干教师培养模式构建与实践探索》，让学生进一步理解卓越教师的关键角色和推动作用。
2.通过优秀绘本案例，让学生进一步理解参与和培养孩子的艺术发展的重大责任，并对如何成长为卓越教师有所思考。
3.希望通过课程学习，让未来的卓越教师学会怎样把艺术的内容和快乐传递给学生，并把学生引向自由、创造性和自信的表达上来。
教学内容：
1.案例解读与创作：青铜铭文里的小精灵。
2.读绘本，玩创意――启发孩子的多元智能。
3.把科学与艺术融为一体的绘本作家安雅光野《美丽的数学》系列绘本解读。
4.我国博物院印行《娃娃入宝山》系列绘本解读。
（二）实践环节类型：艺术创作实践
1.名称，艺术创造性表达的实践与合适、安全、多样的艺术材料体验。
2.主要内容与要求，动脑创作有趣的“点”、“当我的青蛙跳上高高的荷叶”、“随意看・自由想・快乐画・轻松做”系列创作活动、青铜铭文里的小精灵等。
（三）考核方法与要求
1.平时成绩与实践成绩，平时成绩占50%，包括出勤、课堂提问、讨论、课程观察体验报告等;实践考试成绩占50%。
2.综合考核成绩的计算，由平时成绩和实践考试成绩组成，各占50%。平时成绩×50%+实践考试成绩×50%=100%。
四、“儿童创意美术与卓越教师成长”的教学评价与反馈
自课程开设以来，共收到了百余份学习报告，笔者分别回复，以加强教学互动，并为改进教学听取合理化建议。从学生作品展览的效果和学习报告看，学习目标得以初步实现，大多数学生通过艺术的方式，突破了原有的思维范式，创意表达方式独特。如学校物电学院2013级某位学生提及，经过多天的学习，她由好奇到被吸引，再到喜欢，这番快意的体验，让她感觉犹如驰骋在广阔的草原上，仿佛就是一场思维狂舞的盛宴……正是教师别具一格的循循诱导，使学生在课堂上有充满了脑电波狂舞的刺激与快意。卓越教师班2011级学生提道，作为她大学生涯的最后一次公选课，通过教师生动活泼的讲解，懂得了如何尊重每个学生的灵感，呵护每一个幼小的心灵，通过新奇多样的创作尝试，了解到美无处不在，创意无处不有，亦通过电影、绘本等典型案例的展示，深切感受到为人师表的爱与责任感。
“儿童创意美术与卓越教师成长”共五讲，精选包括儿童美术教育理论、美术语言、创意美术多样实践方法等内容中最具有代表性和典型意义的作品进行分析、鉴赏和艺术实践探索，借以提高学生对儿童创意美术的认知能力、创造能力。这一课程理论阐述清晰、作品素材典型鲜活、文化视野开阔、注重国内外最新的研究成果，授课过程注重探索和发掘艺术的人文精神，在授课形式上配备紧密结合课程内容的幻灯片和多媒体课件，讲授深入浅出，例证丰富。通过对儿童创意美术不同层面的掌握和理解，对学生进行独到的创作实践训练，让学生感受不一样的艺术教育方式，培养多元的文化视角，提升了未来教师的整体素质。该课程的开设，为优质公共艺术教育模式创新提供了有价值的实践探索。
（注：本文为江苏师范大学2012年教育教学研究课题《“退耕还林”型中小学美术骨干教师培养模式创新探索与实践研究》基金项目成果，项目编号：XJG201231）
参考文献：
[1]芭巴拉・荷伯豪斯.儿童早期艺术创造性教育[M].南宁：广西美术出版社，2009.
论高校动漫教学中民间艺术资源的开发应用文章来源自3edu教育网
动漫作品形式要素的新颖独特无疑会给作品增添光彩,民间艺术资源的广博多样是动画创作之源。在高校动漫教学中通过多种途径,发掘本土艺术资源,将一些生动的形式要素与动画创作结合起来,不仅能够提升作品的艺术魅力,也能够增强学生对民间艺术资源的了解,使民间艺术的得到更好的传承发展。
一、在高校动漫教学中进行民间艺术资源开发利用的必要性
普通高校动漫教育培养的是综合性的动画人才。除了动画制作技能的掌握之外,更侧重于创意创新、研究能力的培养。动画的魅力在于其情节的生动及形式要素的新颖独特,其内涵和外延的丰富生动是最令人难忘印象深刻的。中华民族的民间艺术资源丰富,品种繁多。像剪纸、皮影、泥塑、年画、戏曲等等,都给早期的动画导演带来无数的灵感,成为他们创作的源泉,也造就了五、六十年代中国早期动画的辉煌。随着本文由时代的发展,动画艺术创作也在日本、欧美动画的冲击、技术的瓶颈等情境下探索发展着。在全球化社会中,我们需要学习、借鉴世界各种动画不同风格、流派的创作经验和表现方法,提高现代电脑动画的制作水平,加强对动画本体的认识。但不管怎样,我们的动画创作都离不开也不能离开本民族文化的土壤,其独特的艺术特色、丰富的文化内涵、多样化的创作手法等能够给动漫创作提供文化、艺术的滋养和启迪,给动画作品带来新鲜的面貌,也能够增强学生对民间艺术资源的了解,使民间艺术得到更好的传承发展。
二、主要途径、措施
(一)课堂教学
在课堂教学中引导学生认识民间艺术与动漫的密切联系,了解动漫发展离不开它所根植的土壤,充分了解并学会应用民间艺术元素于动画创意创作之中。角色造型设计、场景设计等课是动漫专业的必修课程。在此课程中,除了让学生学习造型设计的基本原理、设计技法等,可以引导学生对于民族艺术资源中可资借鉴的艺术形式要素进行整理分析,并进行专题实践练习。比如通过网络、文献、博物馆等多种途径搜集如剪纸、皮影、年画、雕塑、民间戏剧、舞蹈等,提取其形式和色彩等要素,进行简化、夸张、综合化、个性化等处理、再创作,作不同风格的角色造型、场景及道具设计练习。动画是一门综合性学科,集文学、美术、电影、音乐等艺术为一身,多种艺术形式完美结合才能构成一部优秀的作品。教师应具备一定的文学、艺术学、民俗学、人类学的知识,在课堂理论教学中,灵活运用教学方法和现代教学手段,直观、形象、生动地讲授。
(二)工作室或社团
根据当地艺术资源或教学需要,组织学生成立工作室或社团,通过一系列的活动,进行持续、深入的动漫与民间艺术的开发应用专题研究。
1.采风、实地调查
对民间艺术现状实地走访、学习、收集资料,是必不可少的环节。实地调查采风能够欣赏原汁原味的民间手工艺品,有目的地针对某项专题,拍摄照片、视频录像,并可以现场观看学习民间艺术创作过程,获得宝贵的第一手资料。比如可以去邳州探访被联合国科教文组织和中国民间文艺家协会授予“中国民间工艺美术家”称号的王桂英、曹瑞兰等,了解艺人生活、剪纸发展传承现状,考察邳州剪纸古朴素雅,粗犷浑厚的特色;可以去无锡“惠山泥人研究所”以及“惠山泥人博物馆”调研,实地了解这种被视为最富有东方色彩的民间彩塑,感受其艺术魅力,了解其制作过程及制作工艺;可以去山西太昊伏羲陵古庙会、贵州省独山县寻访造型各异、稚拙生动的“布老虎”……
2.专题创作
以动画工作室模式开展专题创作。工作室的同学通过自愿报名并选拔加入。让学生自由结合成几个小组,在教师指导下进行不同的专题动画创作。围绕某个专题编写剧本,进行艺术短片创作。鼓励学生采取各种形式、表现手段进行各种风格的动画创作。像手绘、FLASH动画、三维动画、定格动画等,根据采集的民间艺术相关资料,加以分析、提炼、综合,大胆想象,设计动漫角色造型、场景等。在专题设计上有:比如采用偶造型进行材料动画拍摄,在造型的制作上可以借鉴民间泥塑、木偶、雕刻等,运用现代手法、融入现代意识,制作出或古拙粗犷、或细腻温婉的形象,进行定格拍摄。再如采用画像石画像砖元素专题、剪纸元素专题、民间绘画元素专题等等。
主题创作需要大量的时间,当然,需要指导学生充分利用课内外时间,注意与课堂相关课程相配合、衔接。